Mit drei kurzen Stunden ist La Dolce Vita nicht nur ein Stück zynischer, Aufmerksamkeit in Anspruch nehmender Sozialkommentar, sondern auch Federico Fellinis Meisterwerk. Der Film, ein reichhaltiges und detailliertes Panorama von Roms moderner Dekadenz und ausgeklügelter Immoralität, hat eine episodenhafte Struktur, die allerdings durch den Protagonisten fest konzentriert ist, durch den der Zuschauer die Handlung erlebt. Marcello Runini (hervorragend gespielt von Marcello Mastroianni) ist ein Sensationsreporter, gefangen in einer seichten High-Society-Existenz. Als ein Mann von paradoxem emotionalen Nebeneinander (cool, aber gequält, sexy, aber impotent), träumt er davon, etwas wirklich Wichtiges zu schreiben, bleibt aber von Geld und Prestige verführt, die seine seichte Position begleiten. Er träumt davon, die wahre Liebe zu finden, reagiert aber ungerührt, als seine Freundin eine Überdosis Schlaftabletten nimmt. Stattdessen beteiligt er sich an einer Ménage à Trois, dann tollt er ausgelassen in einem Brunnen mit einem kichernden amerikanischen Starlet (Anita Ekberg) und nimmt in dem unvergesslich inspirierten Finale an einer wilden Orgie teil, die symbolisch endet: Als deren Teilnehmer im Morgengrauen am Strand spazieren gehen, finden sie ein verrottendes Meerestier. Fellini sah seinen Film als lebensbejahend an (daher auch der Titel), aber es ist unmöglich, seine Behauptung ernst zu nehmen. Während Mastroianni von einem weltlichen Vergnügen zum nächsten treibt, sei es Sex, Alkohol, Partys oder gehaltvolles Essen, werden diese Dinge durch seine unvoreingenommenen Augen als lediglich momentane Ablenkungen präsentiert. Seine Existenz, eine endlose Serie von wilden Nächten und einsamen Morgen, ist letztendlich seelenlos und leichtlebig. Da ihm der Mut zur Veränderung fehlt, bleibt Mastroianni keine Alternative, als müde dieses "süße" Leben zu akzeptieren und zu genießen. [+]

Die beiden Jungs Casper und Telly streichen ruhelos durch New Yorks Häuserschluchten auf der Suche nach Befriedigung. Sex mit Jungfrauen, Alkohol, Gras und was sonst noch high macht, steht auf der Wunschliste. Darüber hinaus gibt es für sie und ihre Straßenclique keine Themen. Ihr Leben scheint weder Zukunft noch Vergangenheit zu haben. Geld klaut man der Mutter aus der Haushaltskasse. Jobs sind uncool. Tellys Exfreundin Jennie, Chloe Sevignys Filmdebüt (Palmetto - Dumme sterben nie aus, Trees Lounge ), erfährt bei einem Test, dass sie von ihrem Exfreund mit Aids infiziert wurde. Geschockt begibt sie sich auf die Suche nach Telly, der nichtsahnend weiter durch fremde Betten turnt. Die Darstellung von Minderjährigen, die Drogen missbrauchen und Orgien feiern, gilt weitläufig als Tabubruch. Beim Kinostart 95/96 verursachte Kids demnach in der Presse hitzige Diskussionen, wie weit man denn nun gehen dürfe, und ob das alles nicht völlig übertrieben sei. [+]

Wer mich liebt, nimmt den Zug, bestimmt der sogar im Sterben noch barsch befehlende Künstler (Jean-Louis Trintignant) seinen hinterbliebenen Familienmitgliedern, Geliebten, Freunden und Bekannten. Wobei Liebe für den größten Teil der Trauergemeinde nicht das Hauptmotiv ist, in den Zug nach Limoges zu steigen und an der Beerdigung des Künstlers teilzunehmen. Zur Gemeinde gehören ein Sohn, der sich zurückgesetzt und unverstanden fühlt, eine tablettensüchtige Frau, ein Ex-Liebhaber, der von seinem aktuellen Partner betrogen wird, nervende Onkel und Tanten samt Nachwuchs. Sie alle haben nicht nur mit dem Verstorbenen, sondern auch untereinander Rechnungen zu begleichen, verdrängte (Hass-)Gefühle zu erwidern, aufzuarbeiten, abzubauen. Dazu haben sie während der Zugfahrt, bei der Beerdigung und beim anschließenden Leichenschmaus im Landhaus ausreichend Gelegenheit. Wie sich die Frauen und Männer des zusammengewürfelten Haufens in Schwarz gegenseitig belauern, trietzen und mit Tabuthemen wie Sex und Geschlechtsumwandlung auf die Palme bringen bis jemand ausrastet, das beschreibt der ehemalige Opern-Regisseur Patrice Chéreau (Die Bartholomäusnacht) mit Ernst und wilden, ironischen Ausbrüchen. Chéreau und Koautorin Danièle Thompson haben das Drehbuch übrigens nach einer wahren Begebenheit, der Beerdigung eines Dokumentarfilmkollegen, geschrieben. Dass das getragene, zuweilen bösartige Beerdigungszeremoniell nicht langweilig wird, dafür sorgt ein exzellentes Schauspielerensemble: Neben Charles Berling (Ridicule - Von der Lächerlichkeit des Scheins) und Pascal Greggory (wackerer Mitstreiter von Johanna von Orléans) sind es vor allem Valeria Bruni-Tedeschi und der gegen den Strich besetzte Vincent Pérez (Crow - Die Rache der Krähe; Der Husar auf dem Dach) als Transsexueller, die mit ihrer Darstellung überzeugen. Die schönen Bilder - etwa die Kamerafahrt um den Friedhof - lieferte Kameramann Eric Gautier, der wie Chéreau und Schauspielerin Dominique Blanc einen César, den französischen Oscar, für seine Leistung einheimste. -Heike Angermaier.

Leaving Las Vegas ist einer der Filme von 1995, die bei den Kritikern am meisten Anerkennung fanden. Dieses herzergreifend traurige, aber außerordentlich bewegende Drama bietet ein authentisches, erstklassig gespieltes Porträt zweier Menschen, deren Leben sich ausgerechnet in dem Augenblick kreuzen, als beide gerade den tiefsten Punkt an Verzweiflung erreicht haben. Da ist Ben (Nicolas Cage in einer Oscar-prämierten Rolle), ein ehemaliger leitender Angestellter in der Filmbranche, der seine Frau und seine Familie auf selbstzerstörerische Weise durch Alkoholprobleme verloren hat. Er kommt nach Las Vegas, um sich buchstäblich zu Tode zu trinken. Und dabei trifft er Sera (Elisabeth Shue), eine Prostituierte, die sich in ihn verliebt - und er sich in sie, obwohl beide ähnliche sackgassenartige Existenzen führen. Sie akzeptieren sich aber gegenseitig so, wie sie sind, und keiner versucht, den anderen zu ändern. Diese bedingungslose Liebe macht aus Leaving Las Vegas eine düstere und doch zugleich eine wunderschön sanfte Liebesgeschichte. Der Film erntete Oscar-Nominierungen für die Kategorien Beste Regie (Mike Figgis), Beste Drebuch-Adaption (ebenfalls Figgis, nach einem Roman von John O'Brien) und Beste Schauspielerin (Shue) und mag manchem vielleicht unerbittlich düster und gleichförmig eisig vorkommen. Aber aufmerksame Zuschauer werden bereitwillig den Reichtum dieser tragischen Charaktere und die außergewöhnlichen schauspielerischen Leistungen, durch die diese erst zum Leben erweckt werden, entdecken. Auf traurige Weise fand John O'Briens Roman Widerhall in dessen richtigem Leben: Noch während der Dreharbeiten zu diesem Film beging er Selbstmord. [+]